이배 LEE BAE b.1956-이배 작가는30년 넘도록 ʻ숯’이라는 재료와 흑백의 서체적 추상을 통해 ʻ한국회화’를 국제무대에 선보이며. 가장ʻ동양적인 작가’로 평가받고 있다. 그는서양 미술재료 대신 한국인들에게 친숙한 재료인 숯을 작품에 사용하기 시작했다. 작품에는 숯이 가지고 있는 삶과 죽음,순환과 나눔 등의 태생적 관념 위에 작가 특유의 예술적 상상력이 더해진다. 작가는 숯을 이용해 드로잉,캔버스,설치 등의 다양한 형태의 작업을해오면서 자신의 영역을 확장시켜왔다. 캔버스 위에 절단한 숯조각들을 빽빽하게 놓고 접합한 후 표면을 연마해낸 Issu du feu(불로부터), 숯가루를 짓이겨 미디엄을 사용해 화면에 두껍게 안착시킨 Landscape(풍경)과 목탄에서 추출한 검은 안료로 캔버스 위에 형태를 그리고 밀랍과 같은 두꺼운재료를 여러 번 덮은 작업인 Acrylic meidum(아크릴 미디움), 숯가루가 섞인 먹물로 다양한 형태의 붓질 그대로를 보여주는Brushstroke(붓질), 숯자체 또는 브론즈로 보여주는 조각 시리즈 등이 있다. 그는 숯을 사용하는 이유가 그 안에 인간이 통제할 수 없는 거대한 자연이 존재하기 때문이라고 말한다. 현재 그의 작품은 국립현대미술관과 서울시립미술관, 리움미술관, 마그파운데이션, 프랑스 파리 기메박물관, 스페인 쁘리바도 알레그로 재단을 포함한 국내외 주요 미술관에 소장되어 있다. Based in Seoul and Paris, Lee Bae focuses on the expressive potential of charcoal as a medium. Over the course of nearly three decades, Lee has dedicated himself to creating a diverse range of iterations of Korean painting through his use of charcoal and abstract form that are self-sufficient and rich sufficient and rich in spiritual and energetic qualities. By exploring immanent notions such as yielding, respiring, and circulation, which are embodied by charcoal as a material, Lee's work resonates with themes of life and death, absence and presence, light and shadow, form, and emptiness. Lee's oeuvre spans a wide range of mediums and forms, from drawings to canva based works, as well as installations, with each new work serving to expand upon his unique vision and approach. With an international repuTation, Lee’s works have been featured at museums and institutions worldwide including Phi Foundation, Montreal; Wilmotte Foundation, Venice; Fondation Maeght, Saint Paul de Vence; and Musée Guimet, Paris. Lee’s work is in the permanent collections of many museums including the National Museum of Contemporary Art (MMCA), Gwacheon; Seoul Museum of Art (SEMA), Seoul; Leeum Samsung Museum of Art, Seoul; Horim Museum, Seoul; Paradise Art Space, Incheon; Fondation Maeght, Saint Paul de Vence; Musée Guimet, Paris; Musée Cernuschi, Paris; Baruj Foundation, Barcelona; Privada Allegro Foundation, Madrid; Medianoche Foundation, Granada; and Phi Foundation, Montreal. 박서보 PARK Seo-bo 1931-2023박서보 작가는 한국미술의 전위적 흐름을 이끌며 단색화의 기수로 한국 현대미술의 흐름을 주도해 왔다. 묘법(猫法)이란 ʻ 그린 것처럼 긋는 방법’이라고 풀이되며, 프랑스어 ‘Ecriture’는 ʻ쓰기’란 의미를 지닌다. 제목과 같이 묘법은 선을 긋는 행위의 결과물이다. 캔버스를 물감으로 뒤덮고 그것이 채 마르기도 전에 연필로 선을 긋고, 또 물감으로 지워버리고, 다시 그 위에 선을 긋는 행위를 되풀이하는 과정과 결과가 바로 작품이다. 여러 겹의 축축한 한지를 젤 미디움을 써서 캔버스에 정착시킨 뒤, 표면을 다시 수성안료로 촉촉하게 만든 후, 손이나 막대기로 수차례 긋는다. 손이나 막대기로 수차례 그어 내려간 한지 작품은 가까이서 보면 한지 특유의 질감이 자연스럽고 우연적으로 나타나 있다. 회화의 행위성이 끝나면서 작품도 끝난다는 서구의 방법론을 넘어 시간이 개입되면서 변화의 과정을 거친뒤에야 완성에 이른다는 동양 회화의 세계를 잘담아냈다. 작가는 Langen Foundation 랑앤 파운데이션, 화이트 큐브, 베니스 비엔날레, 삼성미술관 리움, 부산 시립미술관, 리버풀 테이트 갤러리, 뉴욕 브룩크린 미술관, 등의 다수의 전시에 참여해왔다. 그의 작품은 뉴욕 구겐하임 미술관, 홍콩 M+ 미술관, 아부다비 구겐하임 미술관, 국립현대미술관, 도쿄 현대미술관과 같은 국내외 주요 미술관에 소장되어 있다.Park Seo Bo was a seminal figure in Korean contemporary art. He is one of the founding members of the Dansaekhwa movement, which emerged in the early 1970s post war Korea and has since gained international recognition. In the late 1960s, Park began the ‘Ecriture’ series by repeating pencil lines over wet monochromatic painted surface. Later, he expanded the language through the introduction of hanji (traditional Korean paper) and color. The work is brought into being through the process of repetitive actions of pasting, scraping, scratching, and rubbing. It delicately balances drawing and painting in a quest for emptiness through reduction. Park’ s work has been exhibited internationally, including: Langen Foundation, Neuss; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Museum of Fine Art, Boston; the Venice Biennale; Samsung Museum of Art, Seoul; Portland Museum of Art, Oregon; Singapore Art Museum; Kunsthalle Wien, Vienna; Tate Liverpool, UK; Brooklyn Museum, New York; and Expo 67, Montreal. Park’s work is included in the collections of the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; M+, Hong Kong; Guggenheim Abu Dhabi, UAE; The National Museum of Contemporary Art, Seoul; and the K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Duesseldorf. 이우환 LEE Ufan b.1936이우환은 서울대학교 미술대학을 중퇴하고 일본으로 건너가 1961년에 니혼대학 문학부 철학과를 졸업하였다. 제2차 세계대전 후 일본의 획기적 미술운동인 모노파의 이론과 실천을 주도하며 국제적 명성을 얻고 활발히 활동하고 있다. 파리비엔날레, 상파울루비엔날레, 카셀도큐멘타 등 권위 있는 국제전에 참여하여 큰 호응을 얻었다. '점과 선의 대가'로 불리는 이우환의 초기 작품들은 ‘우주 만물은 점에서 시작해 점에서 끝난다’는 스승의 뜻을 잇는 것으로 점이 선이 되고 나아가서는 아무것도 아닐 수 있다는 동양 사상에 바탕을 두었다. 이우환의 작업은 ‘획’이 지닌 의미와 그려지지 않는 여백을 이해해야 한다. 획에는 무한한 순간 속에 정지한 듯, 고요한 가운데 움직이는 듯 정중동, 생동감, 기가 흐른다. 1994년 이탈리아 밀라노의 무디마 미술관과 국립현대미술관에서 개인전을 열었고, 1997에는 프랑스 파리의 국립 주드폼므(Jeu de Paume) 갤러리와 서울의 갤러리현대, 박영덕화랑에서 개인전을 열었다. 일본 요코하마미술관에서 열린 〈전후 현대 일본의 전위미술〉(1994), 베네치아비엔날레 특별전(1995), 프랑스 퐁피두센터에서 열린 〈메이드 인 프랑스〉(1996), 서울 토탈미술관에서 열린 〈프로젝트 8〉(1996) 등에 참여하였다. 일본 나오시마에는 이우환 미술관이 설립되었다. 국립현대미술관과 파리 퐁피두센터, 일본•독일의 미술관 등에 작품이 소장되어 있다.Lee Ufan led the Eastern avantgarde movement called Monoha and is regarded as one of the most important contemporary artists. He was he first Asian contemporary artist to hold a solo exhibition at the National Museum of Art in Paris and has exhibited at major art museums aRound the globe, such as the Guggenheim and Palace of Versailles. His works are currently in the collections of the National Museum of ModErn and Contemporary Art(MMCA), Centre Pompidou. and various art museums in Germany and Japan. He is recognized for his unconventional artistic processes which underscore the relationship between the viewer, the artwork, and the spaces they inhabit and for philosophical writings that challenge prevailing notions of artmaking with attention on spatial and temporal conditions. 정상화 CHUNG Sang-Hwa b.1932정상화는 한국 현대미술에서 중추적인 역할을 한 주요 작가 중 한 명이다. 그는 경북 영덕에서 태어나 서울대학교에서 수학했으며 당대 전위 미술의 흐름을 주도하고 있던 현대미술가협회와 악튀엘의 회원으로 활동하였다. 이 시기 그는 6.25를 겪으면서 느꼈던 아픔을 앵포르멜 경향의 전위 미술로 표현하는 것에 몰두해 있었다. 그 후 1992년까지 일본과 프랑스로 건너가 작업했다. 그는 캔버스에 고령토를 바르고 굳고 단단해지면 1cm 안팎의 폭으로 가로 세로로 접어 바둑판 모양의 균열을 만든다. 거기에서 흙덩이를 떼내 움푹한 자리를 만들고 그 자리를 단색의 아크릴 물감으로 메움으로써 깊이감을 만든다. 동일한 작업을 수없이 반복하여 하나의 작품이 탄생하게 된다. 이 같은 반복 행위로 작가는 동양적 정신성으로의 접근을 일관되게 추구하고 있다. 그의 작품은 국립현대미술관, 삼성미술관 리움, 서울시립미술관, 도쿄현대미술관, 미국 스미스소니언의 허쉬혼 미술관, 프랑스 생테티엔 현대미술관, 홍콩 M+, 구겐하임 아부다비 등 국내외 유수의 미술관에 소장되어 있다.Chung Sang Hwa is one of the important artists we have to refer in order to learn the stream of Korean modern art, so that he influenced and played important role in modern art which has been developed since late fifties, sixties, and seventies in 20thcentury. He was part of the Korean art scene in the 1970s. He moved to Japan and then on to France until 1992, when he returned to live in Seoul. He has developed a highly personal body of abstract, geometric and monochromatic work. Based on concepts of the grid and covering, the artist’s meticulous technique plays a paramount role in shaping the work’s execution and its perception. He folds, sculpts, scalps, and then literally rearranges the zinc-baserd paint that he uses in multiple layer. This perfect mastery developed over years of experimentation is what makes Chung Sang Hwa’s paintings into organised spaces encouraging meditation in the pure oriental tradition. His works are included in the permanent collection of major institutions worldwide such as the National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; Leeum Samsung Museum of Art, Korea; Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul; Seoul Museum of Art, Seoul; Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC; Musée d’art modern et contemporain, +Saint Étienne; M+ Museum, Hong Kong; and Guggenheim, Abu Dhabi. 김구림 KIM Ku-Lim b.1936김구림(1936년생)은 경북 상주 출생으로, 실험미술의 선두자로서 한국현대미술사에서 주요한 위치를 차지한다. 기존 가치와 관습에 대한 부정의 정신을 견지한 그는 회화와 판화, 조각, 설치미술을 비롯하여, 퍼포먼스, 대지미술, 비디오 아트, 메일 아트에 이르는 실험적인 작품들을 지속해왔으며, 실험연극, 실험영화, 음악, 무용에도 종횡무진 개입해왔다. 1969년에는 한국최초의 메일 아트라 할 수 있는 <매스미디어의 유물>을 선보였고, 한국실험영화사에서 주요한 <24분의 1초의 의미>를 제작하였다. 또한 한국아방가르드협회(AG)의 주요 창립 멤버였으며, AG활동을 통해 개념과 과정을 강조하는 전위적인 미술 활동을 펼쳐 나갔다. 1970년에는 다양한 분야의 젊은 예술인과 지식인들로 구성된 전위예술집단인 제4집단을 결성하여 미술, 연극, 영화, 패션, 음악 등을 종합한 총체예술을 추구하였다. 1970년대에는 일본으로 건너가 판화와 비디오 아트를 본격적으로 실험하였고, 1980년대에는 미국을 방문하여 작업의 변화를 추구하였다. 주요 전시 및 퍼포먼스로는 <<1970-80년대 한국의 역사적 개념미술-팔방미인>>(경기도 미술관,2011), 회고 개인전인 <<잘알지도 못하면서>>, <>(테이트모던, 2012),<소멸에서 생성으로>(퍼포먼스,국립아시아문화전당,2015), <마음속의 노래, 시속의 울림>(실험음악 연주,런던,2019) 등이 있다. 국립현대미술관, 테이트 모던 등 30여 미술관에 작품이 소장되어 있다.Kim Kulim holds a significant status in Korean contemporary art history as the founder of Korean experimental art. Retaining a rebellious attitude towards existing values and customs, Kim has produced a wide scope of experimental works ranging from paintings, prints, sculptures, installations and performances to land art, video art and mail art. In 1969, he released Relics of Mass Media, considered Korea's first mail art and also produced The Meaning of 1/24 Second, a seminal work in the history of Korean experimental film. Kim was a founding member of AG(Korean Avant Garde Association), through which he led avant garde artistic practices that emphasized concept and process. Kim's major exhibitions and performances include Korean Historical Conceptual 1970~80s: Jack of All Trades (Gyeonggi Museum of Modern Art, 2011), Like You Know It All (Solo retrospective, Seoul Museum of Art, 2013), A Bigger Splash: Painting after Performance (Tate Modern,2012), From Death to Birth (Performance,Asia Culture Center, 2015), and The Song Within the Heart, The Resonance Within Poetry (Experimental music recital, London, 2019).His works are owned by more than 30 museums including the MMCA and Tate Modern. NAM Tchun-Mo 남춘모 b.1961남춘모는 계명대학교 미술대학과 동대학원에서 회화과를 졸업하고 차세대 단색화 작가로 주목받고 있다. 그는 선 자체에 의미를 부여하는 작업을 한다. 그는 고향의 구불구불한 밭고랑에서 영감을 받아 선을 탐구하기 시작했다. 그렇게 탄생한 것이 레진을 발라 딱딱하게 굳은 광목을 캔버스에 붙인 부조 회화 시리즈이다. 우리나라 선대 작가들이 화선지에 몇 개의 선 만으로 공간감을 만들어냈듯, 그는 선으로 입체 작업을 한다. 시리즈는 평면에서 선을 탐구하는 작품이다. 조선시대 그림에서도 선의 획(劃, stroke)이 중요했는데, 선조들의 것과 다른 점이 있다면 그들이 천천히 생각하며 선을 긋지만 남춘모는 치고 빠지듯 빠르게 획을 긋는다는 것이다. 남춘모는 자신의 붓질을 밭에 고랑을 일구는 ‘쟁기질’이라고 표현하며 선의 놀이를 즐기고 있다. 대구미술관,국립현대미술관 , 서울시립미술관 등 국내의 굵직한 전시 뿐만 아니라 상하이,일본, 스위스, 독일, 프랑스, 미국, 오스트리아, 벨기에 등에서 개인전과 단체전을 개최했다. 주요 소장처는 경남도립미술관, 국립현대미술관 과천관, 금호미술관, 리움미술관, 서울시립미술관, 신세계백화점, 파라다이스호텔 부산, 호텔신라스테이 서울과 동탄 등이다. 현재 독일 퀼른과 대구에서 작업 활동을 하고 있으며 베를린에서 열린 제54회 북 디자인 어워드에 남춘보의 아트북이 시각 예술 부분 상을 수상했다.Born in 1961, Nam Tchun Mo graduated from the Department of Painting and Graduate School of Fine Arts at Keimyung University and is gaining attention as a next-generation monochrome painter. His work starts with 'lines.' In his work, lines are erected three-dimensionally on the plane, creating a space of their own. He expresses images of nature and changing light transparently, simply, and repetitively. His work possesses the common denominator of 'repetitiveness' in monochrome paintings, and what classifies him as a post-monochrome painter lies in his materials. The use of industrial materials such as cloth and synthetic resin, signs of industrial society, along with the uniquesness of the work, make Nam Tchun Mo's color even more distinct.Nam's work lies at the boundary of sculpture and painting, which is referred to as 'sculptural painting.' A new approach to Nam Tchun Mo's painting begins with the idea that painting can be generated from a frame. His work involves labor intensive, simple yet demanding processes to create a unit. Each unit he creates merges with other units and eventually becomes one piece of artwork. He creates space on the canvas, grants meaning to that space, and reveals the 'coincidence' created through light and shadow within it. Exploring how the lines of drawing that constitute the 'memory of lines' eventually evolve into space, how they can reach the unconsciousness of art from space, and how the artist's thought can be transformed into a formal language are the purposes of Nam Tchun Mo's work. 최병소 CHOI BYUNG-SO b.1943최병소는 1943년 대구에서 태어나 중앙대학교 미술대학에서 서양화를 전공했으며 대구에 거주하며 작업 활동을 하고 있다. 그는 국내 최초의 현대미술제인 대구현대미술제의 창립 멤버로 활동 했고, 1977년 도쿄 센트럴 미술관, 1979년 상파울로 비엔날레, 1981년 브루클린 미술관과 서울 국립 현대미술관 등 주요 그룹전과 2012년 대구 미술관 그리고 2016년 프랑스 생떼띠엔 근현대 미술관에서의 개인전 등 활발한 국제 활동을 하고 있다. 최근에는 국립현대미술관과 솔로몬 R. 구겐하임 미술관이 공동주최한 《한국 실험미술 1960-70년대》전에 포함되었다. 그가 신문지를 이용한 작품을 제작하기 시작한 70년대는 기존의 보수적인 고정관념과 형식을 거부하고 혁신을 추구하는 전위적 예술이 세계 곳곳에서 활발히 전개되는 반면 사회 내부적으로는 유신 체제하에 언론은 통제되고 표현과 소통은 억압된 시절이었다. 그런 시대를 살고 있던 30대 초반의 청년 최병소에게 신문은 당시 가장 쉽게 접할 수 있는 대중 매체였지만 제구실을 하지 못한 언론에 분노하여 신문 기사를 볼펜으로 지우기 시작한 것이 그가 신문지 작업을 시작하게 된 계기였다. 신문지 위에 연필과 볼펜으로 선을 긋고 또 그어 새까만 선들이 전면을 덮고 마찰에 의해 종이가 군데군데 찢어져서 물리적 한계에 이르러 더 이상 작업이 불가능 할 때까지 지속되는 작업이다. Choi Byung So was born in Daegu in 1943 and studied Western painting at Chungang University. He was one of the founding members of the Daegu Contemporary Art Festival, the first contemporary art festival in Korea. He exhibited his works in major group exhibitions held at the National Art Center, Tokyo in 1977, Bienal de Sao Paulo in 1979, and Brooklyn Museum in 1981. He is active internationally with solo exhibitions at Daegu Art Museum in 2012 and the Musée d'art moderne et contemporain Saint-Étienne Métropole in France in 2016. His works were presented for ‘Only the Young: Experimental Art in Korea, 1960s~1970s’ at Solomon R. Guggenheim Museum in New York in 2023~2024. In the 70s, when he began to produce works using newspapers, avant garde art that rejected conservations and forms and pursued innovation was actively developed around the world, while socially the media was controlled and expression was suppressed. At that time, newspapers were the most accessible media at the time. He started to erase newspaper articles with a ballpoint pen because he was angry at the media for not being able to control them. His work is to draw lines with pencils and ballpoint pens on newspapers, and then black lines cover the front and the paper is torn by friction until the physical limit is reached and the work is no longer possible. At first glance, the blackened surface on the newspaper looks the same, but the endless repetition of human labor and time due to the artist's creative will is an artistic practice. 김지희 KIM Ji Hee b.1984이화여대 동양화 전공 및 동대학원에서 동양화를 전공한 김지희 작가는 전통 재료를 사용한 팝아트풍의 강렬한 작품으로 유명하다. 그녀는 자신의 작업에 교정기, 오드아이 등과 같은 파격적인 소재를 화면으로 끌어들이며 미술계의 주목을 받아왔다. 2007년 일본 전일전 예술상, 2011년에는 열한번째 청작미술상을 최연소로 수상하며 이름을 알렸다.작가는 주요 갤러리, 미술관을 비롯하여 서울, 뉴욕, LA, 홍콩, 워싱턴, 쾰른, 마이애미, 런던, 도쿄, 오사카, 베이징, 싱가폴, 타이페이, 상하이, 두바이 등 국제적으로 200여 회의 전시에 참여했으며 미술계의 블랙핑크라는 별명을 얻으며 국내외 많은 컬렉터에게 작품이 소장되고 있다. 그의 작품에 등장하는 선글라스를 낀 여인은 의중을 알 수 없는 오묘한 표정을 짓고 있다. 눈을 가린 모습으로 등장하는 인물의 감정을 짐작하는것은 쉽지 않다. 우리에게 익숙해진 ‘Sealed smile’ 시리즈는 화가 김지희를 대표하는 작품으로 국제적으로 꾸준히 작품성을 인정받으며 사랑받고 있다. 화려함 속의 고독, 군중속의 외로움, 더 나은 삶을 향한 욕망 등이Sealed smile 시리즈 작품들이 담고 있는 주된 코드이다. 미술 평론가 고충환은 “모나리자의 알쏭달쏭한 미소는 시공간의 차이를 훌쩍 뛰어넘어 김지희의 그림과 만나진다고 생각한다. 웃음에 인색한 시대에 웃음을 선사하는 그림은 보는 이를 행복하게 한다. 모르긴 해도 사람들이 작가의 그림을 좋아하는 이유 중 하나일 것이다. 작가가 우리에게 보여주는 소녀의 해맑은 웃음은 그렇게 서먹한 사람들 사이의 관계를 해소해줄 수가 있을 것인가. 웃음 뒤에 숨은 어둠을 헤아릴 일이다. 어둠을 애써 외면하는 웃음은 웃음이 아니다. 어둠을 껴안을 때에야 비로소 웃음은 서먹한 사람들 사이로 번져 나갈 수가 있다.”고 작품을 평하였다.또한 프랑스 미술평론가 장 루이 프아트뱅은 "전통적인 주제를 습득하면서 현대사회의 표현의 한계에 직면한 그녀는 대학시절 자신의 문제제기에 변화를 시도해야한다고 깨닫게 된다. 전통과의 끈은 놓지 않으면서 현대적인 주제에 집중하기로 결심한 그녀는 한국의 전통 종이인 장지위에 색을 입힌다. 현대 사회 뿐만 아니라, 자연과 예술의 재현에 대한 깊이 있는 문제제기가 김지희의 작품세계에 나타나는 이유가 여기에 있다. 김지희가 중요한 아티스트인 이유는 우리 자신의 존재, 그 있는 그대로를 바라보게 하기 때문이다. 이상적인 모델에 맹목적으로 순응하는데 급급해 감정적인 뿌리를 외면하는 존재들 말이다 "라고 호평한 바 있다. 이상원 LEE Sang Won b.1978이상원 작가는 홍익대학교 회화과 및 동대학원 석, 박사 과정을 졸업했다. 사람들의 일상을 관찰하고 일상의 속성을 연구하며 우리가 사는 시대를 캔버스에 회화적으로 표현해왔다. 작가는 곳곳에서 휴식을 즐기고 있는 군중의 모습을 캔버스에 담는다. 멀리서 보면 마치 무슨 패턴같은 모양새로 보이기도 하는 사람들. 작가의 회화에 등장하는 인물들은 한결같이 원거리에서 바라다 보이는 우리의 군상이기도 하지만 실제 군중의 모습 그대로는 아니다. 사람들을 의도적으로 화면에 골고루 배치하고, 위에서 내려다본 장면인데도 다시 점으로 사람들의 옆모습을 그렸다. 그가 그린 사람들의 얼굴에는 눈, 코, 입이 보이지 않는다. 이것은 군중의 일원이 된 사람들의 익명성, 몰개성을 보여주는 장치로 풀이되기도 한다. 그의 작품은 유화, 아크릴화, 수채화, 수묵화 등 회화와 드로잉, 영상이나 설치작품 등 폭넓은 영역을 아우른다. 특히 형상이 거의 사라지고 마티에르가 두드러지면서 추상화로 보이는 입체 유화 작품은 많은 컬렉터들의 사랑을 받고 있으며 꾸준하고 안정적인 작품 활동으로 대중들과 소통하고 있다. 근래에는 리얼 아트 버라이어티 No Money No Art 6회차에 참여하여 최종 우승자가 되어 화제를 모았다.Lee Sang Won, a distinguished graduate of Hongik University's Department of Painting, also holds master's and doctoral degrees from the same institution. His art is a reflection of his keen observations of everyday life, capturing the essence of our times on canvas. Lee's work often features scenes of crowds enjoying moments of leisure, forming intricate patterns when viewed from a distance. While his figures represent collective human experiences, they aren't direct depictions of real people. Instead, he thoughtfully arranges each figure to create a harmonious composition, frequently illustrating side profiles from an aerial view. The omission of detailed facial features like eyes, noses, and mouths underscores the anonymity and depersonalization within a crowd. Lee's artistic repertoire is broad, encompassing oil paintings, acrylics, watercolors, ink paintings, drawings, videos, and installations. His three dimensional oil paintings, noted for their abstract textures, have garnered significant acclaim among collectors. Through his consistent and engaging artistic practice, Lee maintains a strong connection with his audience. Recently, he gained widespread attention by winning the final round of the real art variety show "No Money No Art" in its 6th season. 한지민 HAN JiMin b.1978한지민의 작품에는 무엇보다 긴 호흡으로 그림 앞에 사람을 오래 붙잡아두는 힘이 있다. 게다가 트레이싱지를 덧댄 카메라를 통해 바라보는 듯한 부드러운 시선은 느릿하게 흘러가는 영화의 한 장면을 연상케 한다. 그래서인지 누군가는 그녀의 그림에서 박찬욱 감독의 『헤어질 결심』에 나오는 해무를 떠올리고, 다른 누군가는 대사나 음악 없이 무명배우들이 연기하는 일상을 롱테이크 기법으로 찍은 독립영화의 한 장면을 연상한다. 이러한 긴 호흡은 사실 작가가 인물들의 자세나 비언어적인 요소, 심지어 무의식적 행동이나 부분들을 천천히 관찰하여 얻은 결과이다. 그녀는 '뒷모습은 거짓말을 할 수 없다'는 믿음을 갖고 상대방의 얼굴과 말보다는 몸의 표정을 캐치하여 겉으로 드러나지 않는 감정을 표현하는 것을 즐긴다. 이는 사적 공간에서의 흐트러진 인물을 줌인(zoom-in)하여 현대인의 모습을 디테일하게 그려내거나, 탁 트인 바다에서 인간과 인간, 혹은 인간과 동물 간의 '관계'를 추측케 하는 기존 작업에서도 확인할 수 있다.드라마 '사랑한다고 말해줘'에서는 주인공으로 나오는 정우성의 벽화 그림을 제작했다. Han Ji Min’s artwork has a unique ability to engage viewers for extended periods. The soft, almost cinematic perspective she employs, like looking through a camera with tracing paper, creates the sensation of a scene from a slowly unfolding film. Some viewers might see echoes of the misty atmosphere from Park Chan wook's Decision to Leave, while others might think of long takes in independent films that capture everyday moments without dialogue or music.This deep engagement comes from Han's meticulous attention to her subjects' postures, nonverbal cues, and even unconscious actions. She holds the belief that "the back cannot lie," and she focuses on capturing body language rather than facial expressions or spoken words to reveal hidden emotions. This method is evident whether she’s zooming in on disheveled figures in private spaces or exploring relationships between people or between people and animals in expansive settings.Additionally, Han Ji Min created the mural paintings for the drama Tell Me That You Love Me. 이유진 YI YOUJIN b.19801980년 강릉 태생의 작가 이유진은 세종 대학교에서 한국화를 전공하던 중 정형화된 교육 시스템에 답답함을 느껴 대학을 중퇴한 뒤, 유럽의 여러 나라를 다니며 미술관과 대학을 방문하는 과정에서 독일 문화에 매력을 느끼게 되었다. 이유진은 2004년부터 2011년까지 뮌헨 아트 아카데미 Akademie der Bildenden Künste, Munich에서 회화를 수학하고, 군터 펄그의 지도 아래 석사 과정을 마쳤다. 무엇보다 군터 펄그 Günther Förg와의 만남은 그녀의 예술적 비전 뿐만 아니라, 자율적이고 자발적인 삶에 대한 사고에도 큰 영향을 미쳤다.군터 퍼그(Günther Förg)가 제안했던 주제인 '배경(Hintergrund)' 개념은 그녀의 예술적 발전에서 하나의 중심점이 되었으며, 그로 하여금 작가가 한국의 뿌리에 더 깊이 파고들며 자신의 정체성과 기원에 대해 숙고하게 하였다. 이유진에게 내재된 한국적 감성과 수많은 외부 문화적 영향, 그 사이에서 균형을 잡는 것은 줄타기와 같았다. 그러한 내면의 대화는 하나의 알레고리로 이유진만의 고유한 시각 언어 창출에 영향을 미쳤다. 졸업 후에도 뮌헨에서 거주하며 본격적인 작가 활동을 하고있는 이유진에게 자신의 예술적 실천을 위해 자기 자신을 동양과 서양의 문화가 교차하는 환경에 위치시키는 것은 무엇보다 중요한 요소라고 할 수 있을 것이다. 이유진은 한지의 섬유와 캔버스의 직조 속에 얽혀있는 동서양, 두 세계의 매개자로서 그녀의 작품 앞에 선다.Born in Gangneung in 1980, Yi Youjin felt frustrated with the standardized education system while majoring in Korean painting at Sejong University, and after dropping out of college, she became attracted to German culture while visiting art galleries and universities in Europe. Yi studied painting at the Akademie der Wildenden Künste, Munich from 2004 to 2011 and completed her master's degree under the guidance of Günther Förg. Above all, her meeting with Gunther Förg had a significant impact on her artistic vision as well as her thinking about autonomous and voluntary life.The concept of "Hinterground," as illuminated by Günther Förg, was a pivotal moment in her artistic development, prompting me to probe deeper into her Korean roots, pondering her identity and origins. Balancing the Korean sensibility inherent in Yi Youjin and the numerous external cultural influences among them was like a tightrope walk. Such inner dialogue influenced the creation of her visual language as an allegory. For in Yi Youjin, who is based in Munich even after graduation, placing herself in an environment where Eastern and Western cultures intersect for her artistic practice is the most important factor. Yi Youjin stands before her art as a mediator of two worlds, the East and the West, which intertwine within the fibers of Hanji and the weave of canvas. 양종용 YANG Jong-Yong b.1984양종용(1984-) 은 이끼를 모티브로 사용하는 작가다. 그는 《달항아리이끼》, 《그릇이끼》 연작을 통해 ‘우리’ 라는 삶의 주체가 자연에 이끼처럼 조화롭게 스며드는 삶을 표현한다. 그의 이끼는 생(生)을 ‘수많은 관계, 자아와 타자 혹은 환경과의 만남’으로 확장한 것이다. 양종용 작품은 그 크기가 확대될수록 대상은 섬세해지고, 공중에 떠있는 이끼들은 넓은 세상을 향해 도약할 에너지로 표상된다. 작가는 “삶의 이끼와 만나는 방법, 그것은 타인을 이해하는 역지사지(易地思之)의 마음속에서, 억지하지 않는 자연스런 관계 속에서 저절로 이루어지는 것은 아닐까” 라고 말한다.Yang Jongyong(1984-) is an artist who uses ‘moss’ as his motif. Through his series “Dalhang-ali-ikki (moon jar moss)" and Geuleutikki (Utensil Moss)," he expresses a life where the subject of "us" harmoniously blends with nature like moss. His moss extends the concept of life to "countless relationships, encounters with oneself and others, or with the environment." As his artworks expand in size, the subjects become more delicate, and the floating moss in the air symbolizes the energy to leap towards the vast world. The artist says, "The way to encounter life's moss may happen naturally in an unforced, natural relationship, through empathy and understanding for others." 시오타 치하루 Shiota Chiharu b. 1972시오타 치하루는 일본 오사카에서 태어나 독일 베를린을 기반으로 활동하는 국제적인 작가다. 그녀는 불확실성에 대한 인간의 내면과 성찰을 작품에 풀어낸다. 그는 하나의 영역에 국한하지 않고 드로잉, 조각, 설치와 퍼포먼스 등 다방면에 걸쳐 작품활동을 지속한다 유년기에 겪었던 죽음에 대한 트라우마가 그의 작업에 그대로 투영되어 나타나며, 그는 인간의 유한함과 이에 따른 불안한 내면을 작업의 소재로 삼았다. 나아가 작가는 죽음을 단순히 끝'으로 바라보는 것이 아니라, 새로운 시작으로 해석했으며 이와 동시에 동시대에 존재하는 이분법적인 경계와 개인의 실 존 그리고 정체성에 대한 성찰을 이어갔다 시오타를 대표하는 연작 중 하나는 인간의 혈관을 형상화 한 실 타래를 공간 전체에 설치한 작업이다. 서로를 긴밀히 연결 하는 실로 복잡하게 뒤엉킨 공간은 마치 하나의 네트워크를 연상케 하며, 시오타는 이를 통해 삶과 죽음에 대한 고뇌뿐 아 니라, 실존을 향한 탐구를 시각적으로 구현한다. 또한 이 실들 은 내면에서 서로 관계되는 수많은 생각과 스스로의 정체성을 확인하기 위해 필요한 주변과의 관계들을 의미하기도 한다 이처럼 시오타는 실을 활용한 작업과 더불어 세포를 연상시키 는 조각들, 일상적인 소품을 활용한 작업들을 통해 실존과 내 면에 대한 탐구를 계속하고 있다.Shiota Chihau is an international artist born in Osaka Japan and based in Berlin,Germany unravels the inner human and introspection on uncertainty through her artworks. She does not confine herself to one specific area but rather deals with a variety of media such as drawing, sculpture, installation, and performing art. She projected the trauma of death she experienced as a child into her work, and she used the finite nature of human beings and their subsequent anxious inner selves as the subject of her work. The artist also interprets death as the new beginning rather than "the end", and further continues to reflect on the dichotomous boundaries, personal existence and identity that exist in the contemporary era. One of Chiharu's most representative series is the installation piece with thread skein forming a shape of human blood vessels throughout the space. Through a thread that seems to be connecting each other closely by interwining a space like a network, Chiharu visually embodied not only the agony of life and death but also the exploration for existence. 가브리엘 그라셀 Gabrielle Graessle b.1956, Zurich, Swiss 스위스 취리히 출신의 가브리엘 그라셀은 스페인, 프랑스, 독일 등지에서 활발히 전시를 이어오고 있다. 현재 스페인 남부 안달루시아 지방에 위치한 한적한 자연 속에서 작품 활동을 이어오고 있다.거창한 주제가 아니라 일상의 소재들을 작가 특유의 직관적 조형 언어로 풀어내는데, 동물, 자연, 패션, 영화, 책, 어린 시절의 소박한 경험들이 가브리엘의 작품 안에서 때로는 화려하고, 때로는 키치하게 그 모습을 자유롭게 드러낸다.Gabrielle Graessle was born in Zurich in 1956 and has exhibited in Spain, France, Germany and Asia. She currently lives and works in a disused natural hut in Albunol, Spain.The artist has a unique, intimate artistic language that depicts everyday life rather than grand themes, and the simple experiences of animals, nature, fashion, movies, books, and childhood emerge freely in Gabrielle's sometimes colorful, sometimes kitschy works. 티츠 Thitz b.1956, German티츠 작가는 30년째 일상적인 쇼핑백에 예술을 표현하는 작가로 활동하고 있다. 1989년 스웨덴에서 공부하면서 처음으로 쇼핑백에 그림을 그렸고, 1993년에는 멕시코와 과테말라에서 쇼핑백 프로젝트를 시작하였다. 그 이후 30명 넘는 독일 정치가들과, 1995년에는 바르셀로나 댄서, 음악가, 소설가 등 여러 장르의 예술가들과 쇼핑백 대화 프로젝트 운동을 이끌었다.독일 프랑크푸르트 암 마인 (Frankfrut am main) 출신의 화가 티츠는 쇼핑백과 이야기들을 켜켜이 쌓아 ‘티츠의 세계’를 만들어내는데, 도시의 이야기가 가득한 ‘티츠의 세계’는 현혹적이다. 티츠의 작품 속에 담긴 이야기들을 하나씩 따라가다보면 어느새 그의 세계로 빠져들어가 있는 나를 마주 할 수 있다.티츠의 작품에 등장하는 쇼핑백은 사람들에게 어필하고 서로 친밀해지게 하며 그의 세계로 들어가게 하는 화가 고유의 소통방식이다. 도시의 생생한 이야기들이 가득하던 ‘티츠의 세계’는 복잡성 가득한 도시 구조에 상상 속 식물들이 더해 지면서 유토피아적인 도시공간으로 발전한다. 이는 미래를 향한 지속가능한 라이프 스타일에 대해 끊임 없이 고민하고 연구하는 화가의 생각이 반영된 결과이다.세상에는 너무나 아름다운 도시들이 많아서 작품에 대한 아이디어가 고갈될 수가 없다고 화가는 말한다. 그의 작품을 통해 다시 한번 세계의 아름다운 도시를 여행할 수 있길 바래본다.German artist Thitz, from Frankfrut am Main, creates the "Thitz World" by putting the bags and the stories together: his alluring world is full of the urban stories. When you listen to the conversation in the artworks one by one, you will find out yourself falling into his world. The bags in his works is the unique method of communication that make the people close to each other and allow them to enter his domain. The world of Thitz, filled with vivid stories of the city, is developed into a utopian urban space, as the fantastic plants are put together with the complicated structures. This shows the creator’s constant concern and research on the sustainable lifestyle toward the future. Since there are so many charming cities around the world, he would never lose a flash of the inspiration, said Thitz. I hope we travel the beautiful places within his works. David Jamin 다비드 자맹 b.1970, France다비드 자맹(데이비드 자민)은 독특한 스타일과 즐거운 예술 작품으로 유명한 프랑스 화가이다. 프랑스 남부에서 태어난 그의 예술에 대한 사랑은 어린 시절부터 시작되었으며 지중해의 생생한 색상과 빛에 영향을 받았다. 그는 미술을 공부하고 자신의 것으로 인정받는 독특한 스타일을 개발했다. 그의 스타일의 핵심 측면 중 하나는 빛을 사용하는 것이다. 그는 빛과 그림자에 대한 뛰어난 이해를 가지고 있으며, 이를 그림에 큰 효과를 발휘한다. 그는 빛을 사용하여 깊이감을 만들고 피사체에 생명을 불어넣어 하루의 찰나의 순간을 포착한다. 그 결과 생동감 넘치고 유쾌한 그림이 탄생하여 보는 사람에게 행복과 긍정의 감정을 불러일으킨다.David의 그림은 또한 회화에 대한 느슨하고 즉흥적인 접근 방식이 특징이다. 그는 캔버스에 물감을 두껍게 바르는 임파스토 기법을 사용하는 것을 주저하지 않고 그림에 풍부하고 질감 있는 느낌을 준다. 이 접근 방식은 그의 대담한 색상 사용과 결합되어 그의 그림을 역동적이고 눈길을 사로잡는다. 그의 그림은 지중해 생활 양식의 대명사가 되었으며 이 지역에서 가장 인기 있는 예술가 중 한 명으로 자리매김했으며 국내에서도 굵직한 전시와 함께 인기드라마 눈물릐 여왕에도 그의 그림이 메인으로 등장해 큰 화제를 모았다.David Zamin is a French painter who is known for his unique style and joyful works of art. Born in the south of France, David's love for art started at a young age and he was influenced by the vibrant colors and light of the Mediterranean. He went on to study fine arts and developed a distinctive style that is recognized as his own.One of the key aspects of David's style is his use of light. He has a masterful understanding of light and shadow, which he uses to great effect in his paintings. He uses light to create a sense of depth and to bring life to his subjects, capturing the fleeting moments of the day. The result is paintings that are both lively and joyful, evoking a feeling of happiness and positivity in the viewer.David's paintings are also characterized by a loose and spontaneous approach to painting. He does not shy away from using impasto techniques, where the paint is thickly applied to the canvas, giving his paintings a rich and textured feel. This approach is combined with his bold use of color, making his paintings both dynamic and eye-catching.
